The Who

The Who o los Who en el mundo hispanohablante,¹​ es un grupo británico de rock formado en 1962 con el nombre de The Detours que posteriormente cambió a The Who tras la incorporación del baterista Keith Moon. La banda sería de inspiración para Led Zeppelin, de quien Robert Plant sacaría su forma de vestir, además de que Keith Moon sería una inspiración muy importante para John Bonham. De esa manera el grupo, con Roger Daltrey (vocalista), Pete Townshend (guitarrista, teclista y vocalista), John Entwistle (bajista y vocalista) y Keith Moon (baterista), potenció su carrera escalando a los primeros puestos del ambiente del rock inglés.

El conjunto fue conocido por sus enérgicas presentaciones en vivo las cuales incluían la destrucción de sus instrumentos.²​³​ The Who ha vendido alrededor de 100 millones de discos en todo el mundo,⁴​ posicionaron 27 sencillos en el Top 40 del Reino Unido y de Estados Unidos, así como 17 álbumes en el Top 10, obteniendo 18 discos de oro, 12 de platino y 5 de multi-platino solo en los Estados Unidos.⁵​

The Who alcanzó la fama en el Reino Unido con una serie de sencillos que se ubicaron en el Top 10, impulsados en parte por emisoras de radio piratas como Radio Caroline, iniciando su éxito en enero de 1965 con «I Can't Explain». Los álbumes My Generation (1965), A Quick One (1966) y The Who Sell Out (1967) lo siguieron, con los dos primeros alcanzando el Top 5 en el Reino Unido. Su primer hit en el Top 40 fue «Happy Jack» y, posteriormente, ingresó en el Top 10 ese mismo año con «I Can See For Miles».

La fama de los Who creció con actuaciones memorables en los festivales de Monterey,⁶​ Woodstock e Isle of Wight.⁷​⁸​ En 1969 lanzaron Tommy, el primero de una serie de álbumes Top 10 en los Estados Unidos, seguidos por Live at Leeds (1970), Who's Next (1971), Quadrophenia (1973), The Who By Numbers (1975), Who Are You (1978) y The Kids Are Alright (1979).

El baterista Keith Moon murió en 1978 a la edad de 32 años. Después de su muerte, el grupo lanzó dos álbumes de estudio, Face Dances (1981) que alcanzó el Top 5 en las listas de Estados Unidos y el Reino Unido, y posteriormente It's Hard (1982), que alcanzó el Top 10 en el ranking musical estadounidense, trabajos que realizaron con el baterista Kenney Jones, antes de que la banda se separase en 1983. The Who volvió a reagruparse para participar en el Live Aid, en el vigesimoquinto aniversario de la banda y en la gira de Quadrophenia en 1996 y 1997. En 2000, los tres miembros originales sobrevivientes trabajaron en la grabación de un nuevo material, pero sus planes se estancaron temporalmente debido a la muerte de John Entwistle en 2002, a los 57 años de edad. Townshend y Daltrey continuaron con el trabajo de la banda, lanzando, en 2006, Endless Wire, que alcanzó el Top 10 en Estados Unidos y el Reino Unido.

El conjunto fue incluido en el Salón de la Fama del Rock en 1990, en su primer año de elegibilidad,⁷​⁹​ describiéndolos como: «Primeros contendientes, en la mente de muchos, por el título de la banda más grande en el mundo del rock».¹⁰​ La revista Time expresó en 1979 que: «Ningún otro grupo ha llevado el rock tan lejos».¹¹​ Rolling Stone escribió: «Junto con The Beatles y The Rolling Stones, The Who completa la santísima trinidad del rock británico».¹²​ Recibieron el Lifetime Achievement Award de la British Phonographic Industry en 1988 y de la Grammy Foundation en 2001, por las significativas y excepcionales contribuciones creativas en el campo de la grabación.¹³​¹⁴​ En 2008 Daltrey y Townshend fueron honrados con el Premio Kennedy en su trigésima primera edición.¹⁵​ Ese mismo año, VH1 Rock Honors rindió homenaje a The Who,¹⁶​ donde Jack Black de Tenacious D los llamó «La banda más grande de todos los tiempos».¹⁷​ Se suele referir a la banda como el eslabón entre el rock and roll y el punk rock, debido a las claras influencias que ejercerían sobre grupos posteriores como Sex Pistols o Ramones, tanto musical como líricamente, mostrando tendencias revolucionarias y rebeldes.

Historia

Años 1960

A finales de los años 50, influenciados por el rhythm and blues estadounidense y la música skiffle, Pete Townshend y John Entwistle se unieron a una banda de dixieland llamada The Confederates.¹⁸​ Townshend tocaba el banjo y Entwistle el corno francés, que había aprendido a tocar en su escuela.¹⁹​ Roger Daltrey conoció a Entwistle caminando por la calle con un bajo colgado del hombro, lugar donde le pidió que se uniera a su banda llamada The Detours, que había formado el año anterior. Después de unas semanas, Entwistle sugirió a Townshend como guitarrista adicional. En los primeros días, The Detours tocó una variedad de música influenciada por el blues estadounidense y el country, aunque desarrollándose principalmente en el rhythm and blues. La formación consistió en Daltrey como primer guitarrista, Townshend como guitarra rítmica, Entwistle como bajista del grupo, Doug Sandom en la batería, y Colin Dawson como vocalista. Con la salida de Dawson, Daltrey pasó a ser el vocalista, y Townshend, con el apoyo de Entwistle, se convirtió en la única guitarra. El conjunto buscaba un contrato de grabación, pero era constantemente informado de que debía incorporar a un mejor baterista y que escribieran su propio material, como The Beatles y The Rolling Stones. En 1964, Sandom dejó el grupo. Para cubrir las obligaciones contractuales, los compañeros de banda contrataron a un baterista de sesión para el resto de los conciertos programados, mientras buscaban a uno permanente. En una de aquellas actuaciones, Keith Moon se acercó a la banda y pidió el puesto de baterista. Tras una audición y después de romper accidentalmente la batería cuando se sentó en ella, Moon fue invitado a unirse a la banda.²⁰​

The Detours cambió su nombre a The Who en febrero de 1964, y, con la llegada de Moon aquel año, la alineación se completó. Sin embargo, por un corto período en el verano de 1964, bajo la dirección de Peter Meaden, ellos cambiaron su nombre a The High Numbers, lanzando «Zoot Suit/I'm the Face», un sencillo dirigido a los aficionados mod. El sencillo fracasó en las listas, y la banda volvió a renombrarse The Who. Meaden fue remplazado como mánager por el equipo de Kit Lambert y Chris Stamp, quienes vieron a la banda tocar en la Railway Tavern. Bajo la dirección de Lambert y Stamp, el conjunto se hizo popular entre los mods británicos, una subcultura de los sesenta seguidores de la vanguardia, de los Scooters y de géneros musicales como el soul, el beat y el rhythm and blues.²¹​ Para destacar su innovador estilo musical, la banda creó el eslogan «Maximum R&B».²²​²³​

El conjunto tuvo un fuerte seguimiento local, pero necesitaba algo para diferenciarse de muchos otros grupos pequeños y ambiciosos de la escena musical londinense. En septiembre de 1964, durante una actuación en el Railway Tavern en Harrow and Wealdstone, Londres, Townshend rompió accidentalmente el mango de su guitarra con el techo. Enfurecido por las risas del público, rompió el instrumento por completo en el escenario, cogió otra guitarra y continuó la presentación. Una gran multitud asistió al concierto siguiente, pero Townshend se negó a romper otra guitarra. Moon, por su parte, destrozó el kit de su batería.²⁴​²⁵​²⁶​ Sin embargo, con ese primer acto, la banda encontró la imagen que necesitaba para hacerse un nombre por sí mismos. La destrucción de instrumentos se convirtió en elemento básico en las presentaciones en vivo de The Who.²​ Según la Rolling Stone, el incidente en la Railway Tavern, fue uno de los «50 Momentos Que Cambiaron la Historia del Rock 'n' Roll».²⁷​²⁸​

La banda comenzó a ser dirigida creativamente por Townshend como su principal compositor. Entwistle también hizo contribuciones en la creación, y Moon y Daltrey lo hicieron ocasionalmente entre los sesenta y setenta.

Primeros sencillos y My Generation

El primer lanzamiento y éxito de The Who fue «I Can't Explain» en enero de 1965, una canción influenciada por The Kinks, con quienes compartían el productor musical, el estadounidense Shel Talmy. La canción fue tocada solo en unos pocos mercados en los Estados Unidos, especialmente por el DJ Peter Cavanaugh en la emisora WTAC AM 600 de Flint, Míchigan.²⁹​ «I Can't Explain» alcanzó el Top 10 en el Reino Unido y fue seguido por «Anyway, Anyhow, Anywhere», una canción acreditada a Townshend y Daltrey.

Los primeros sencillos en el Reino Unido fueron lanzados en Brunswick Records, que por entonces era un brazo del sello americano Decca, discográfica que anteriormente había rechazado a la banda. Lambert y Stamp, que no estaban satisfechos con el contrato que Shel Talmy había hecho con Decca para The Who, aconsejaron al grupo romper el contrato con la discográfica, decisión que dio lugar a la acritud entre la banda y su productor que duró décadas. Mientras tanto, The Who firmó con Reaction Records, sello de Robert Stigwood, para lanzar su próximo sencillo. En 1967, Lambert y Stamp formaron su propio sello llamado Track Records, dando el golpe en la industria musical asegurando la firma de Jimi Hendrix para su primer lanzamiento. Distribuido por Polydor, Track se convirtió en el hogar de producción de The Who hasta mediados de 1970.

El álbum debut My Generation (The Who Sings My Generation en Estados Unidos) fue lanzado en 1965. Este incluía «The Kids Are Alright» y el título que le daría el nombre al disco, «My Generation», canción con un prominente solo de bajo de Entwistle, siendo el primero en su tipo en un disco de rock.³⁰​ Éxitos posteriores incluyeron los sencillos de 1966 «Substitute», cuya temática retrata los sentimientos de engaño que sufre un joven, «I'm a Boy», historia de un niño que fue obligado a vivir como una niña, «Happy Jack», canción inspirada en un hombre que sufre de problemas mentales, y «Pictures of Lily» de 1967, que narra la historia de un joven que vive obsesionado con una chica pin-up. Los primeros sencillos, todos escritos por Townshend, presentan temáticas sobre la tensión sexual, mental y la angustia que aquejaba a los adolescentes de la época.

A Quick One y The Who Sell Out

Aunque los primeros sencillos de la banda tuvieron éxito, Townshend quería que los álbumes de The Who unificaran un concepto en cada uno de sus temas, en lugar de ser una colección de canciones. La primera señal de esto fue la exclusión de «I'm a Boy», por parte de Townshend, de un proyecto con canciones correlativas en el que trabajó. El segundo álbum de la banda fue lanzado en 1966 y se tituló A Quick One (Happy Jack en Estados Unidos, debido a la referencia sexual del título). Este incluía un medley de 9 minutos llamado «A Quick One, While He's Away», al que más tarde denominaron una «mini ópera».³¹​

El segundo trabajo fue valorado por los críticos por debajo de su antecesor, debido a que Moon y Daltrey se vieron obligados a hacer composiciones, debido a la situación económica del grupo, que resultaron bastante irregulares. Sin embargo, la canción de Entwistle «Boris the Spider», se convirtió en una de sus contribuciones más relevantes, debido a la comedia de humor negro que generó.

En 1967 publicaron su tercer álbum, titulado The Who Sell Out. Este demostró las ambiciones de Townshend de que los álbumes del grupo fuesen obras unificadas. «Sell Out» es un álbum conceptual que simula ser una transmisión de una estación de radio pirata llamada «Radio London», por lo que contenía jingles y avisos publicitarios entre las canciones compuestas por la misma banda. «I Can See For Miles» es la única canción del álbum que fue editada como sencillo, y pese a que alcanzó uno de los 10 primeros puestos de muchas listas, Townshend estaba decepcionado con la recepción de la canción entre el público. Tanto el sencillo como otras canciones del álbum demostraban una leve influencia de la escena del rock psicodélico de ese momento. The Who Sell Out también incluía una «mini ópera» inconclusa llamada «Rael 1», que fue terminada posteriormente.

La banda salió de gira por Estados Unidos, y sus actuaciones, que incluían la destrucción de sus instrumentos, les permitieron obtener un gran número de seguidores en ese país. Su presentación en el Monterey Pop Festival, junto con el debut televisivo de la banda en tierras estadounidenses en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, ayudaron al grupo a ganar un gran nivel de popularidad. En este último, la banda interpretó «My Generation», en donde Moon, cargó su bombo con explosivos que detonó al final de la canción. La explosión, que causó que el pelo de Townshend comenzara a incendiarse, contribuyó a que el guitarrista padeciera de sordera parcial (lo que posteriormente se transformó en tinnitus) y que uno de los platillos de Moon le cortara el brazo.³²​ El canal de televisión VH1, colocó esta presentación en el número diez de su lista de los «Grandes Momentos del Rock and Roll en Televisión».³³​

Durante ese verano, salieron de gira como teloneros de Herman's Hermits. En ese período se produjo un famoso incidente en el Holiday Inn de Flint, Míchigan, durante el cumpleaños de Keith Moon, lo que consolidó su reputación autodestructiva. Moon detonó un cartucho de dinamita en el baño y posteriormente, se arrojó montado en un Cadillac a la piscina del hotel.³⁴​³⁵​ Si bien, el administrador toleraba los actos desenfrenados de la banda, siempre y cuando se le pagasen los daños, tras este incidente, The Who fue prohibido en todos los hoteles Holiday Inn de por vida.

En 1968 la banda publicó «Magic Bus», uno de sus sencillos más importantes, convirtiéndose pieza fija en los conciertos del grupo por aquella época. Townshend, que había dejado las drogas y había comenzado a buscar un lado más espiritual en su vida, empezó a planificar su siguiente álbum.

Tommy

A finales de 1968, The Who encabezó el primer Schaefer Music Festival en Central Park, Nueva York. Además, participó en el The Rolling Stones Rock and Roll Circus interpretando su mini-ópera «A Quick One, While He's Away». También ese año, Townshend dio su primera entrevista a la revista Rolling Stone, declarando que estaba trabajando en una ópera rock de larga duración.³⁶​ Esta era Tommy, lanzada en 1969, el primer trabajo presentado como una «ópera rock» que se convertiría en un hito de la música moderna.

Tommy fue lanzado como álbum doble, destacando por poseer temáticas que se repetían a lo largo del disco, que le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia. Este relata la vida de Tommy, un niño que presencia el asesinato de su padre (al que creían muerto en la II Guerra Mundial) por parte del amante de su madre. Estos lo obligan a borrar de su cabeza el incidente, cayendo en un estado de autismo, quedando sordo, ciego y mudo. Creció viajando a través de sus sueños y fantasías, desarrollando una habilidad increíble en el pinball,³⁷​ pero sin poder volver a la normalidad. Cuando su madre decide romper el espejo en donde Tommy pasaba sus días observándose, este recupera las facultades perdidas, siendo todo un acontecimiento en la ciudad. Este milagro lo catapulta al nivel de mesías,³⁸​ organizando un campamento junto con sus seguidores, que posteriormente lo abandonarían por sus planteamientos un tanto demagogos y autoritarios.³⁹​ El primer sencillo del disco fue «Pinball Wizard», que alcanzó el Top 5 en las listas musicales inglesas. Fueron sencillos además «I'm Free» y «See Me, Feel Me», este último lanzado para capitalizar la aparición en el documental Woodstock: 3 Days of Peace & Music.

Durante la época de Tommy, Townshend se había dado a las enseñanzas de Meher Baba, maestro espiritual de la India, que influenció en su composiciones musicales por muchos años, siendo acreditado como «Avatar» en el disco.

Además del éxito comercial, Tommy se convirtió en un éxito de la crítica. La revista Life comentó: «... por el poder puro, la invención y la brillantez de la ejecución, Tommy supera cualquier cosa que haya salido de un estudio de grabación».⁴⁰​ Por su parte, Melody Maker declaró: «Sin duda, The Who es ahora la banda contra la que todos los demás han de ser juzgados».¹⁵​

En el mismo año, The Who participó en el mítico Festival de Woodstock en la madrugada del 16 de agosto. Esta aparición ayudó a que la popularidad de Tommy creciera enormemente.⁴¹​⁴²​ Durante su presentación, el líder yippie Abbie Hoffman interrumpió el concierto para dar un discurso de protesta en contra del encarcelamiento de John Sinclair, que había sido condenado a 10 años de cárcel por traficar marihuana con dos policías encubiertos. Townshend, molesto con la interrupción, golpeó a Hoffman con su guitarra exclamando «¡Lárgate! ¡Lárgate de mi jodido escenario!»,⁴³​ provocándole una aparatosa caída hacia el público, lugar donde posteriormente desaparecería entre la multitud.⁴⁴​ Townshend posteriormente comentó que estaba de acuerdo con Hoffman, pero que de todos modos lo hubiese derribado sin importar el mensaje.

Años 1970

Live At Leeds

Pete Townshend golpeando su guitarra durante una presentación con The Who en el Ernst-Merck-Halle de Hamburgo, el 12 de agosto de 1972.

El grupo apareció en Pop Go The Sixties, un especial de televisión de la BBC con la revisión de la mejor música en la década de los sesenta, interpretando «I Can See For Miles» en vivo, en un espectáculo grabado por la BBC One el 1 de enero de 1970. En febrero de aquel año, The Who grabó Live at Leeds, considerado por muchos críticos como el mejor álbum de rock en vivo de todos los tiempos.⁴⁵​⁴⁶​⁴⁷​⁴⁸​⁴⁹​⁵⁰​ Fue lanzado originalmente con 8 canciones, entre las cuales se incluía «Summertime Blues», cover de Eddie Cochran y único sencillo del álbum. En ediciones posteriores, se amplió el número de canciones, debido a limitaciones técnicas en la grabación original, que con el tiempo se remediaron. Se añadieron la interpretación de los primeros sencillos de la banda, comentarios de los integrantes en el concierto y algunos temas de Tommy, hasta la remasterización por completo de aquel disco en la presentación, que se incluye en la edición deluxe de 2001. La Universidad de Leeds fue parte de la gira de Tommy, que no solo incluyó conciertos en teatros de ópera europeos, sino también, en el Metropolitan Opera House de Nueva York, siendo el primer espectáculo de rock en aquel recinto. En marzo, The Who publicó «The Seeker», que alcanzó el Top 20 en las listas del Reino Unido.

La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970. Esa presentación fue editada en 1996 como un álbum doble (Live at the Isle of Wight Festival 1970).

Lifehouse y Who's Next

The Who en Hamburgo, agosto de 1972.

Después del enorme interés que la banda generó tras el nuevo concepto de ópera rock plasmado en Tommy, Townshend comenzó a pensar en otro ambicioso proyecto, llamado Lifehouse.⁵¹​ Acerca de este nuevo proyecto, Townshend declaró:

¿Cual puede ser el tema de esta nueva pieza, «The Life House»? Quería que fuera sobre música, sobre el futuro, sobre la esperanza, pero quería que estuviera anclado a la realidad, que tratara problemas reales. ¿Cómo crear un personaje sordo, ciego y mudo sin repetirme? Ya sé, vivirá en el futuro. Lo pondré en un traje espacial, rechazará vivir en la realidad, vivirá en un mundo imaginario, viciado. Tendrá una vida de trono, vivirá la vida que los cineastas, los mentirosos, los publicistas, los manipuladores políticos y los controladores quieran que viva. Será sordo, ciego y mudo a los recursos del espíritu, que le dan la libertad de unirse a los otros seres humanos, de integrarse con ellos y de tener una vida verdadera.⁵²​

Para Chris Stamp, mánager de la banda, el concepto no era del todo fantástico, pero incentivó a Townshend en la producción del mismo, ya que las mismas interrogantes habían aparecido previa grabación de Tommy.⁵³​ Frank Dunlop, director artístico del teatro Young Vic, ofreció a Townshend el lugar para desarrollar el proyecto, debido a su excelente acústica y espacio.⁵⁴​ Pete quería trabajar este musical revolucionario como una forma de pregonar como vivir, enfocado principalmente a la juventud,⁵⁴​ para ello, era imprescindible la realización de un documental en conjunto al trabajo musical.⁵⁵​

Sin embargo, el proyecto significó muchas interrogantes para el entorno de Townshend. Daltrey declaró: «Pete escribió una suerte de guion simplificado, que no tenía sentido, nadie entendía nada».⁵⁶​ Entwistle por su parte, dijo: «Se pensaba que ocuparíamos Young Vic y que el público viviese con nosotros. A decir verdad, no entendí. No funcionó porque la poca gente que venía volvía a casa para la hora del té. Fue un fracaso».⁵⁷​ Incluso, para el agente de prensa de la banda, Keith Altham, el concepto era irreconocible: «Tenía que hacer un esfuerzo para entender y para captar una idea tan compleja».⁵⁸​

El Teatro Young Vic, ubicado en South Bank, Londres, lugar en que la banda desarrolló Lifehouse.⁵⁴​

Lifehouse se estancó, no se trabajaba en las canciones ni en las historias,⁵⁹​ por lo que el productor Kit Lambert decidió trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba más innovaciones técnicas.⁵⁹​ Sin embargo, la vida nocturna y el entorno desenfrenado de esta, detuvo aún más las posibilidades de que el proyecto funcionase.⁶⁰​ El grupo regresó a Inglaterra sin ningún avance, por lo que Glyn Johns recomendó detener el proyecto y grabar las canciones más destacadas de él.⁶¹​ Fue así como en mayo de 1971 se comenzó a grabar Who's Next.⁶²​

Lanzado en 1971, Who's Next contenía nueve temas, incluyendo canciones como "Baba O'Riley" y "Won't Get Fooled Again", que se destacaban por el uso de sintetizadores, que solían establecer ritmos repetitivos (o se usaban para diversos efectos, como en "Bargain" y "The Song Is Over", y que iban a ser uno de los aspectos más importantes de "Lifehouse". El sonido es radicalmente distinto al de los discos anteriores de la banda: la voz de Daltrey había evolucionado y sonaba como un poderoso rugido, mientras que el sonido de la batería de Keith Moon había cambiado. Esto, sumado a los sintetizadores y la impecable producción, hicieron que Who's Next comenzara a ser considerado como uno de los primeros álbumes de arena rock, ya que era mucho más grandilocuente y ampuloso que sus antecesores.

Algunas de las canciones de "Lifehouse" (incluyendo "Pure and Easy" y "Naked Eye") aparecieron en el compilado Odds & Sods, y más tarde fueron agregadas como bonus tracks en versiones posteriores de Who's Next.

Antes del lanzamiento de Who's Next, Entwistle grabó el primer álbum solista de alguno de los miembros de la banda, Smash Your Head Against The Wall, y seguiría grabando álbumes solistas durante los siguientes años.

1973: Quadrophenia

El siguiente álbum del grupo salió dos años después y se llamó Quadrophenia. Es otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod. El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su exnovia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 1960, en Brighton. Quadrophenia, al igual que Tommy, también tuvo su película.

Quadrophenia siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal, lo que llevó a que sus detractores sostuvieran que es demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente. Antes de que esa gira comenzara, la esposa de Keith Moon lo dejó y se llevó con ella a su hija, lo que causó que Moon comenzara a consumir más bebidas alcohólicas. Por esta razón se desmayó durante un show en San Francisco, por lo que debió ser sustituido por el resto del mismo por Scott Halpin, un miembro de la audiencia.

1974-1978: problemas para la banda y muerte de Keith Moon

En Toronto. 1976.

En el otoño de 1974, John Entwistle se encargó de recopilar rarezas del grupo y canciones por aquel entonces inéditas en LP para publicar Odds & Sods, que alcanzó el Top 20 en Reino Unido (n.º 10) y en Estados Unidos (n.º 15).⁶³​

Los problemas de Townshend aumentaron: estaba cansado de tocar con la banda, comenzó a consumir alcohol más seguido, y sufrió un colapso nervioso, además de sentirse más viejo por cumplir 30 años. Esto llevó a que el siguiente álbum de la banda, The Who By Numbers, fuese un álbum más depresivo y menos energético, que trataba sobre los problemas de Townshend. Durante la gira siguiente se le diagnosticó un caso de tinnitus (muchos especularon que había sido causado por los ruidosos conciertos del grupo, pero Townshend sostuvo que era por escuchar música con auriculares en un volumen demasiado alto), por lo que la agrupación dejó de tocar en 1976 por algún tiempo. Un crítico consideró a By Numbers como la "nota suicida" de Townshend. En 1977 Townshend grabó un álbum junto a Ronnie Lane llamado Rough Mix.

El grupo regresó a los estudios en 1978, y grabó Who Are You, un álbum más accesible y con un mayor uso de sintetizadores. El mismo incluía una canción de John Entwistle de una ópera rock que nunca fue completada. En esa época, el grupo grabó un documental sobre su historia llamado The Kids Are Alright, que incluía, entre otras cosas, imágenes de sus presentaciones en vivo. Sin embargo, el 7 de septiembre de ese año (20 días después del lanzamiento del álbum), Keith Moon falleció mientras dormía, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían recetado para controlar su alcoholismo.

Años 1980

Separación

The Who publicó dos últimos álbumes de estudio con Kenney Jones como batería: Face Dances en 1981 e It's Hard en 1982. Face Dances dio lugar al sencillo "You Better You Bet", que alcanzó el puesto 19 en las listas de sencillos. A pesar de las mejorables ventas de ambos trabajos y de la reseña de cinco estrellas de la revista musical Rolling Stone para It's Hard, muchos seguidores no se encontraron receptivos con el nuevo sonido. Aun así, "Athena" obtuvo un éxito menor en los Estados Unidos, mientras que "Eminence Front" también alcanzó las listas de éxitos y pasó a engrosar la lista de canciones favoritas del público. Poco después de la publicación de It's Hard, The Who se embarcó en una gira de despedida, después de que Pete Townshend hiciera público su alcoholismo y su recuperación, así como su intención de convertir a The Who en una banda de estudio.⁶⁴​

Después del último concierto en diciembre de 1982, Townshend pasó parte de 1983 intentando componer nuevo material para un trabajo de estudio de The Who, obligado por términos contractuales con Warner Bros. Records. A pesar de todo, a finales de 1983, Townshend declaró que se sentía incapaz de generar nuevo material apropiado para The Who y publicó un comunicado en el que anunciaba su decisión de abandonar el grupo. A partir de 1984, Townshend se enfocó en varios proyectos en solitario como White City: A Novel, The Iron Man: A Musical y Psychoderelict.

Aun así, el 13 de julio de 1985, los cuatro miembros de The Who, incluido Kenney Jones, reformaron el grupo para actuar en el concierto Live Aid, organizado por Bob Geldof. El grupo tocó "My Generation", "Pinball Wizard", "Love Reign O'er Me" y "Won't Get Fooled Again". En 1988, The Who fue galardonado con el premio a toda la carrera musical por la Industria Fonográfica Británica en una ceremonia que supuso el último trabajo de Kenney Jones dentro del grupo. En 1989, el grupo se embarcó en una gira aniversario de The Kids Are Alright que acabó conmemorando el álbum Tommy en dos conciertos: uno en Nueva York y otro en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles, con invitados especiales como Elton John, Phil Collins, Billy Idol, Patti LaBelle y Steve Winwood.

Años 1990

Reuniones

En 1990, The Who fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de la mano de U2, con Bono diciendo: "Más que cualquier otra banda, The Who son nuestro espejo". En 1991, The Who grabó una versión de la canción de Elton John "Saturday Nights Alright for Fighting" para un álbum tributo. En 1992 Roger Daltrey asiste y participa en el concierto en tributo a su amigo de toda la vida Freddie Mercury donde canta acompañado del guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi, y los miembros restantes de Queen Brian May, Roger Taylor y John Deacon la canción I Want It All. Esta participación fue muy aclamada ya que fue el primero en cantar esta canción en vivo y mostró una gran vocalización. El público no dejó de aclamarle cuando no paraba de dar vueltas al cable del micrófono. En 1993, Pete Townshend salió de gira para promocionar su álbum Psychoderelict. En 1994, se produjeron varios rumores en torno a una gira conmemorativa del trigésimo aniversario de la formación de The Who que no llegaron a fraguar. Aun así, Roger Daltrey celebró su cincuenta cumpleaños con dos conciertos en el Carnegie Hall en los que fueron invitados John Entwistle y Pete Townshend, quienes aparecieron al final del concierto, junto a otros músicos, interpretando "Join Together". A finales de año, Daltrey salió de gira junto a John Entwistle y una orquesta.

Townshend fue solicitado para unirse a un macroconcierto en el Hyde Park de Londres. Townshend intentó interpretar Quadrophenia en una sola pieza acústica, usando partes de la película a través de pantallas. Tras contactar con Entwistle y Daltrey, la idea sentó bases. La banda aumentó con las incorporaciones de Zak Starkey en la batería, John Douglas "Rabbit" Bundrick en los teclados y Simon Townshend y Geoff Whitehorn en la guitarra. El concierto fue narrado por Phil Daniels en el papel de Jimmy. A pesar de ciertas dificultades técnicas, el evento cosechó un gran éxito al colgar el cartel de "lleno" durante seis noches en el Madison Square Garden de Nueva York, a pesar de que los conciertos no fueron acreditados al nombre de The Who. El éxito de los conciertos permitió llevar a cabo una gira europea y estadounidense. Rabbit, Starkey, Simon y Jon Carin permanecieron en la formación, y los conciertos fueron reorganizados en tres partes diferentes. Del mismo modo, Billy Idol y Gary Glitter interpretaron el papel de Jimmy en los conciertos.

Tras la recreación de Quadrophenia, The Who volvieron a unirse en el verano de 1997 para una nueva gira. En un descanso temporal, Pete Townshend ofreció varios conciertos acústicos en solitario, John Entwistle reorganizó la banda The John Entwistle Band y Roger Daltrey salió de gira con la Orquesta Sinfónica de Londres, interpretando temas de The Who y clásicos del rock acompañado de orquestación.

A finales de 1999, The Who llevó a cabo siete conciertos destinados a recaudar fondos benéficos. Las canciones fueron extraídas en su mayoría de Who's Next y se incluyeron temas poco frecuentes en las listas de canciones habituales en los conciertos de The Who. El primer concierto tuvo lugar el 29 de octubre de 1999 en el MGM Grand Garden de Las Vegas. A continuación, el grupo tocó en dos conciertos en el Annual Bridge School Benefit de Neil Young los días 30 y 31 de octubre. Los días 12 y 13 de noviembre tocaron en el House of the Blues de Chicago. El concierto del 29 de octubre en Las Vegas fue retransmitido por televisión e Internet y posteriormente publicado como DVD semioficial en The Vegas Job.

DÍAS DE GLORIA PARA SOÑAR (2005)

Teníamos que sacar un disco para salír de nuestro sello Avispa y componemos "LA ESTACIÓN DE LOS SUEÑOS" para cerrar el ciclo. Como bien dice el primer tema "Puente de luz" este trabajo sirve como puente a lo que vendría después. Hay muy buenas canciones pero la compañía no se vuelca en hacernos una buena promoción, pues saben que se trata del último trabajo. No apuestan por el disco en sí, a pesar del éxito que les deja el anterior álbum.

En algunos cortes volvemos a nuestro anterior registro, en cuanto a rock andaluz se refiere. "Sí tú no estás en él" es una canción que podría haber estado en cualquiera de los discos de Medina Azahara.

Me considero una persona que le gusta relacionarse con la gente, pero a veces nesecito estar solo. Necesito ordenar mis ideas, poner las cosas en su sitio. Necesito encontrarme con mi yo. Para eso, a veces necesito mi tan amada soledad.

"Niña dime tú", es un tema que le dedico a mi hija Alicia. Cuando era chica siempre estaba llorando. Era muy llorona y sensible y le compuse este tema para ella.

"Lágrimas al mar", "Volver a nacer" o "Al diablo con el cielo" son temas que de alguna forma reivindicaban un poco la actualidad del grupo pero te hacían retroceder en el tiempo, pues son muy crudos a composición. Quizás para intentar recuperar lo que teníamos años atrás.

"Yo canto al viento" también contiene esos guiños al rock andaluz. Son cosas que llevábamos mucho tiempo sin hacer. Y que quisimos retomar en "LA ESTACIÓN DE LOS SUEÑOS". Fue un trabajo para celebrar fundamentalmente la salida de Avispa.

La música de "Alcemos las manos" es de Manuel Ángel Mart. Yo compuse la melodía y la letra. Hice ese tema pensando en el directo. Pasó como con "Rompe esa cruz".

Hay temas que, no se por qué, pero no terminan de entrar en vivo. O los mismos músicos de una banda no están tan motivados o predispuestos como lo están con otras canciones. Intentamos hacerlo tan bien que carece de esa frescura tan valorada en un show. Creo que "Alcemos las manos" no llegó a sonar lo suficientemente bien en los ensayos como para meterla fija dentro de una gira. Sin embargo para mí es un temazo para directo y, de hecho, mucha gente nos la ha pedido en varias ocasiones. La hicimos dos o tres veces y la tuvimos que descartar del Set List.

Un espectáculo lo que pide es tener agilidad. Imprescindible que contenga canciones que las disfrutes porque si no a la gente es casi imposible que les llegue. Tiene que haber una  reacción mutua, público y músico, si no es así es mejor eliminarla del repertorio.

A lo largo de mi carrera he tenido el placer de colaborar con artistas de gran prestigio. Hay algunos nuy curiosos.

Recuerdo que mi primera colaboración fue con Diego Cortés. Un guitarrista de flamenco y compositor catalán con influencias de jazz y rock. Lo promocionaba un amigo mío y fuí a cantar con él.

Participamos también en un homenaje que le hicieron a Miguel Ríos. "Rios The Rock" se llamaba el álbum. Medina Azahara interpretó el popular "Himno de la alegría". En ese disco también estaba Obús o la Frontera. A Miguel le conocimos en una serie de TV de Canal Sur "Fiebre del Sur". Es un tipo genial. Sin Miguel Ríos es imposible comprender la historia del rock de este país. Recuerdo que en nuestro primeros años compartimos escenario con él en algún concierto.

ESTIRPE

Para Estirpe con la canción "De guitarra y flor" compuesta por Miguel Ángel Mart y Javier Estévez. Este tema se cedió a la Comunidad Universitaria como apoyo a la candidatura de Córdoba 2016 como capital europea de la cultura. Es una canción que venía muy a cuento porque habla de Córdoba y de sus orígenes más profundos. De su patrimonio artístico. Finalmente no hubo suerte. Se la designaron a San Sebastián la que felicitamos por su belleza. Pero nos dolió mucho que nos denegaran este título porque el Ayuntamiento presentó un proyecto muy completo y chulo. Córdoba siempre ha apostado por la cultura y lo seguirá haciendo.

Cuando colaboro con el disco de Alameda "20 aniversario" en 1998 hubo una anécdota muy graciosa. En medio del tema "Tu frialdad", que me tocaba interpretar en directo junto a la banda. Pepe Roca me señala y me presenta de esta manera.

        = Y a la voz !Manuel Rodríguez!

Y yo pensando ¿seré yo o no seré yo?

Hay un grupo de Granada al que tengo un cariño especial. Se llama Fausto Taranto. Son grandes personas. Hicieron un tema que me venía a la medida bajo el título "Otra letra más". La grabación del tema quedó reflejada en un video clip. Lo pasamos genial grabándolo. En poco tiempo tenía más de 70.000 visualizaciones en YouTube,

Aprovechando el cincuenta el aniversario del equipo de fútbol Córdoba Club de Futbol, el artista Queco compuso el himno oficial. Él quiso que colaboraran todos los artistas cordobeses que estaban en ese momento en áuge. Me llamó a mí y canté un fragnento poniendo con mucho gusto mi granito de arena. Me encanta escucharlo cuando va a jugar el Córdoba en el estadio Nuevo Arcángel. Siempre hay alguien que me dice:

         _ Estoy en el campo de futbol del Córdoba y te estoy escuchando.

"Días de gloria para soñar,

por la ribera mil banderas, Córdoba.

y tocar el cielo, las Tendillas 

y sentí que el alma grita, Córdoba".

Algunas de las colaboraciones más extrañas, pero de igual importancia son, por ejemplo la que hice con el grupo vascuence, Idi Bihotz. El tema se llamaba "Zaspi ate". Tuve que cantarlo en euskera. Mi hijo Manuel Ángel también cantó conmigo. Imagínate un andaluz cantando en vasco. Nos reímos mucho. Fue una aportación nuy curiosa ya que se trataba de una canción que se cantó en su lengua pero con ese toque andaluz.

He colaborado con Fernando Caro, curiosamente con los Chíchos con Alhandal...Carmen de las Grecas colaboró con nosotros también. Siento si se me queda algún artista y amigo sin nombrar.

Casualmente por el año 1994 o 95 le comunique a mi hijo mi intención de hacer un proyecto similar. Mi hijo rapeando, haciendo hip hop y yo cantando como siempre mi hijo no quiso, porque nunca ha querido aprovecharse de mi nombre ni de Medina Azahara para hacer algo. Mira por donde, después de tantos años con los extraordinarios SFDK.

En cuestión de duetos hay tantos que me gustaría hacer con artistas españoles. Por supuesto haría un trío con mis hijos Manuel Ángel y Marcos. Es mi asignatura pendiente.

JOSÉ LUIS CUEVAS

MAQUETACIÓN Y MONTAJE

CONTINÚA EN  SEPTIMA   PARTE  

 

 

Para mi Madrid es la ciudad, y la de medio mundo. A mi me encanta y la disfruto mucho cada vez que voy. No se si será por costumbre, porque me he tirado muchos años grabando allí, haciendo promoción. viviendo incluso por temporadas.

Recuerdo aquella tarde en la mini oficina de Javier García-Pelayo cuando nos llamó para conocernos y proponernos algo. Éramos muy jóvenes y no no lo podíamos creer lo que nos estaba pasando. Le sorprendió enormemente cada una de nuestras canciones. 

Nos llevó a casa de su hermano Gonzalo y nos presentaron a varias personas. Todas ellas trabajaban en las mejores compañías de discos y nosotros incrédulos de todo lo que estaba sucediendo. Todos querían grabarnos discos para su discográfica. Al final nos quedamos con CBS. No nos equivocamos. Resultó ser la mejor.

Recuerdo que al terminar la reunión nos fuimos a un bar que estaba de moda en la calle Francisco Silvela. Allí vimos a Micky, el que cantaba "El chico de la armónica". En aquel momento era todo un número 1. La gente famosa andaba por ese bar como por su casa. Y nosotros pensando:

         = ¿Esto es verdad o es un sueño?

En el viaje de vuelta fuimos comentando todo lo vivido. Pensábamos igual:

         = No nos lo podiamos creer.

Sobre todo porque nosotros compusimos aquellas canciones para tocarlas e interpretarlas en directo. Nunca pensamos que CBS. Movieplay y otras compañías de gran escala terminarían fijándose en un grupo llamado Medina Azahara.

Fueron tiempos verdaderamente felices. Tiempos de utopías, de labrarse el propio camino y de llamar a mil puertas. Unas abrían y otras no. Pero ibas con toda la ilusión del mundo. Cómo no amar a Madrid y todo lo que hay en su interior.

He vivido muchos momentos bonitos en Madrid. Aunque la picaresca exista en todos los lados. Los andaluces, los madrileños, los catalanes...Siempre me he tropezado con buena gente.

Hay bastantes temas de Medina Azahara que nunca han salido a la luz, que se han quedado ahi guardados, enterrados. Temas inéditos que jamás volverán a publicarse. Sobre todo entre los años 1980 y 2000. Tengo temas grabados en CD´S, casetes e incluso en un magnetofón Revox. Hay muy buenas canciones que están ahí pero no pueden editarse porque los compositores, en cuanto a música, ya no están en el grupo..aunque las letras o melodías sean mías. Es absurdo tener que pedir permisos  Otros músicos antiguos teniendo ahora mismo una riqueza muy amplia a nivel compositivo. Si estuviéramos en declive... pero no es el caso.

En 2011 me conceden el título de Hijo Predilecto de Posadas, el pueblo donde nací. Para mí fue una alegría monumental. Me sentí muy querido. Allí permanecen mis raíces. La mayoría de mi familia es de Posadas. Sus calles me vieron crecer. Allí es donde dí mis primeros pasos, mis primeros patadas a un desfigurado balón de cuero, mi primer colegio, mis primeros amigos. Posadas es un lugar donde algún día quisiera volver.

Recuerdo la muerte de mis padres como uno de los días más tristes de mi vida. Pero recientemente cuando me dijo el médico que en 5 minutos entraba mi hijo al quirófano para operarle de un cáncer mí mundo se derrumbó. No lo esperábamos. Fue algo muy difícil de asimílar.

MI CÓRDOBA (2003)

Anterior a este álbum se publicó "VERSIÓN ORIGINAL" como relleno, ideado para tapar ese hueco discográfico del año 2002. Fue una estrategia más para que Avispa pudiera vender discos y porque lo tenían muy fácil en ese momento. Nosotros mientras pensábamos en sacar nuevo trabajo "VERSIÓN ORIGINAL" fue un recopilatorio de canciones ya editadas en otros álbumes anteriores.

"AIXA" es uno de los discos que más nos ha influenciado y pienso que el más galardonado dentro de nuestra trayectoria.

El año 2003 para nosotros fue muy importante. Llegó uno de nuestros himnos más destacados como fue la canción "Córdoba".

Cuando la compusimos no pensamos que iba a tomar tal trascendencia en nuestra historia. Un día se presentó Paco y me dijo:

           = Tengo esta música. Quiero que la escuches.

Y la verdad es que me encantó. Yo compuse la letra y la melodía la hicimos entre los dos. Así nació "Córdoba". El resultado fue muy bonito. Obtuvimos dos premios de la música: La mejor canción con "Córdoba" y mejor álbum de rock. Nos sentimos muy valorados porque además de los votos del público, obtuvimos el reconocimiento de otros artistas que también apostaron por nosotros para obtener sendos premios. Compartimos nominación con músicos tan grandes como Fito y Fitipaldis, Dover o Mago de Oz. Para esta composición tuvimos la suerte de contar con la colaboración de la Orquesta Sinfónica de Córdoba. Esto la engrandeció mucho más.

Grabamos el video clip "Córdoba" enlazando imágenes de la orquesta tocando y fragmentos de la ciudad de noche principalmente. Ciudad en la que descansamos y amamos. Lugar que nos ha dado infinidad de alegrías como el premio de "Cordobeses del año".

El disco superó con creces las 60.000 copias vendidas. Ese era el tope de ventas que nos había puesto Avispa para renovarnos por otro año más. tuvimos ocasión de fichar con Sony. Quería además comprarnos los derechos de toda nuestra discografía pero por razones de contrato no pudo ser.

Hay temas que nuestros seguidores nos piden y que nunca llegamos a tocar asiduamente en directo, como "Rompe esa cruz". Solo la tocamos dentro de la gira de "Aixa", que sí la incluimos en el repertorio. Luego nos pedían temas más conocidos o comerciales y dejamos de interpretarlas en los conciertos. Así nos ha pasado con otras canciones. Que las tocamos dentro de su gira promocional pero luego tenemos que quitarlas. Es muy difícil contentar a todo el mundo. Vamos viendo durante las giras las canciones que más transmiten, las que más se cantan y disfrutan. Esas canciones que mejor funcionan se dejan inamovibles en las listas del repertorio.

"Rompe esa cruz" se trata de una canción muy especial que compuse con cariño a esas mujeres maltratadas. Habla de esa mujer cuando se ata a su pareja y no termina de ronper ese lazo que les une, aunque sea golpeada fisica o psicológicamente hay un número elevado de mujeres que sufren o han sufrido en su vida ese tipo de violencia y esta canción va para todas ellas.

La primera y única vez que hacemos una versión de Scorpions es con "Vientos de Cambio" incluida también en este disco. Casualmente hemos actuado después con ellos dos veces muy importantes. Nos trae magnificos recuerdos cuando la tocamos. No hubo traducir el tema "Winds of change" porque Scorpions ya había hecho este tema en español. Tomamos esa referencia para hacer nuestra propia versión enriqueciéndola con un coro de niños. El tema original está escrito en su totalidad por Klaus Meine, vocalista de la banda alemana.

JOSÉ LUIS CUEVAS

MAQUETACIÓN Y MONTAJE

MÚSICOS QUE HAN PASADO POR MEDINA AZAHARA

 TÁNGER 

(1998)

Todo el mundo sabe que este disco se compuso a caballo entre la ciudad de Tánger y Madrid.

"Danza al viento" es un claro ejemplo de cómo una canción fácil puede llegar directa al éxito. La hemos tocado muchas veces en directo, entra a la primera.

Los temas de "TÁNGER" regresan a esa esencia árabe tan arraigada en nuestras composiciones del anterior áibum. Alguna vez ya hemos dicho que el video clip se grabó con imágenes de la banda en estudio y de nuestro paso por Marruecos.

Este disco es de suma importancia en nuestra trayectoria, pues coge de la mano o de los dedos, a Manuel Ibáñez para ofrecerle el puesto en los teclados. A día de hoy en Medina está uno de los mejores músicos de este país los galardones no cogen ya en las entanterías de su casa. Por algo será. 

Yo tenía en mente hace algún tiempo grabar mi disco en solitario. Así publiqué "EN CUERPO Y ALMA". Pero me arrepiento de hacer caso al productor y director de la compañía y de la manera de manejar las canciones. Quería un disco de rock. Al final se quedó en uno de casi de baladas. Me arrepiento también de dejar algunos temas sin grabar.

Pienso que tenía miedo que se incluyera dentro de mi trabajo en solitario porque éstas podían servir perfectamente para Medina Azahara. Se negaban a que "EN CUERPO Y ALMA" fuese la cara B  de Medina.

Aún así he de reconocer que se volcaron en hacer algo que mereció la pena. Además, pagaron toda la producción. Quedaron algunas canciones preciosas y un disco para la historia.

BAILANDO CON LA MUERTE 

(2000)

"XX" recoge los veinte años de carrera en forma de felicitación. Se trata de un bonito anirversario. Así llamamos al primer tema que abre el disco, "Aniversario". Con este disco "XX" realizamos gira internacional. Es la primera vez que nos contratan en México.

Siempre nos ha gustado ese tipo de temas para agradecer a toda la gente que nos llevan siguiendo desde hace tanto tiempo. Viajan a cientos de kilometros para vernos. Nos apoyan, nos dan cariño a diario. Ellos son la razón de nuestra existencia, de que Medina Azahara siga en pié después de tantos años. Y los que nos quedan. Así que siempre, va a ir por ellos.

Atras quedaron aquellas tardes de parque para compartir heroína, pero se pone de moda drogas de diseño, de síntesis, Éxtasis, anfetaminas...Las utilizan para mantenerse en pie y estar de fiesta sin parar toda la noche. Esto conlleva daños neuronales y efectos secundartos muy graves en los chavales que la consumen. Para mi era bailar con la muerte por eso hice !Bailando con la muerte la compuse porque una chica en la feria de córdoba escribió una nota y la sacaron en el diario de aquí, me gusto tanto que me baso en eso para escribirla.

Nunca he sido simpatizante de droga alguna. Eso no quiere decir que no la haya tenido en la mano. Pero he tenido fuerza de voluntad suficiente para decir no. Pasar de todo eso. He de reconocer que he probado algunas cosas. No voy a engañar a madie. Por saber lo que eran. Una sola vez. Fumé una calada a un canuto y me sentí tan mal que nunca volví a coger ninguno. No soy capaz ni de fumarme un cigarrillo entero. No me gusta nada. De hecho lo aborrezco.

He tenido a mi lado que se ha metido heroína o cocaína. En el mundo artístico este tema es delicado, pero no me ha dado ni por las drogas ni por el alcohol. He sabido lo justo del mundo de la droga para saber que no me gustaba y que no caería jamás. A mis hijos siempre les he inculcado eso. Que lo peor de este mundo es la droga.

Recuerdo una situación de un amigo mío. Tocó un tiempo como miembro de Medina. Yo tenía un negocio en Córdoba, una cervecería. Un domingo por la mañana me llamó su novia muy angustiada llorando. Me dijo:

            - ¿Manuel puedes venir a mi casa?. Mi novio se está muriendo.

Dejé de trabajar, me fuí corriendo y llegé a su casa enseguida. Al entrar, me encontré el dormitorio de esa persona con las paredes ralladas y llenas de sangre para sacar cal. La quería para después prensarla como polvo. Tenía una fuerte depresión y quería morirse a toda costa. Me encuentro en esa situación e intento distraerlo para llevármelo a mi terreno. Era adicto a la heroína y buscaba el suicidio taponándose las venas con esa cal.

Estuvimos hablando con él, su novia y yo, intentamos distraerle mientras venía la ambulancia. Llegó otro amigo nuestro más tarde y entre los dos paramos su suicidio. Estuvimos contándole cosas agradables para quitarle esa idea atroz de la cabeza.

Por supuesto aclarar que este suceso pasó hace muchos años y en la formación actual de Medina Azahara todos somos muy sanos.

MI MADRID 

(2000)

Septiembre de 2011. El atentado de las torres gemelas del World Trade Center de Nueva York (Estados Unidos) marcaron la publicación de "TIERRA DE LIBERTAD" y la grabación del video clíp del single en  Cabo de Gata (Almería). Pienso que fue un episodio tan duro a nivel mundial, que todo el mundo sabe, estaba en ese momento cuando el atentado sucedió.

El título está basado en eso, en los emigrantes que tienen que salir de sus países y en ese destino que ellos sueñan como tierra de libertad. Muchos de ellos caen en las aguas del mar a medio camino. Cada año aumenta el número de personas que quieren alcanzar nuestro país, para ellos su tierra de libertad.

La primera vez que le dedicamos una canción a la ciudad de Madrid fue en este disco, con "Así es Madrid"

JOSÉ LUIS CUEVAS

CONTINÚA EN  QUINTA  PARTE